Arte y más arte

lunes, 28 de noviembre de 2011

Obra Original: Quijote Ashurado

Esta es una obra creada por mi. Es un dibujo del Quijote, personaje de la importante y trascendental obra titulada Don Quijote de la Mancha, del exitoso autor Miguel de Cervantes Saavedra. No tengo gran talento para dibujar, sin embargo esta ha sido de mis mejores creaciones, si no es que la mejor.

El dibujo plasma a Don Quijote recostado en una posición aparentemente de descanso, aunque a la vez parece que está posando para el pintor. Su sombrero se encuentra a lado y al fondo podemos notar los molinos, piezas características en la obra literaria.

La técnica empleada se llama ashurado/achurado. Consiste en el trazo a partir de líneas que poco a poco van formando las sombras deseadas. Las partes más oscuras contienen más rayas y se puede observar que éstas van en cualquier dirección; esa es la belleza de esta técnica. Le brinda efectos a la obra muy interesantes. El ashurado/achurado generalmente se emplea con carboncillo o plumas delgadas. Con otros instrumentos es muy difícil lograr el funcionamiento óptimo de la obra y muchas veces se da un efecto distinto al que se busca; es por eso que es importante usar el material adecuado.

Escogí esta obra porque fue una especie de reto para mi lograr dibujar al Quijote, un personaje tan famoso a lo largo de los años, y el ashurado se me hizo muy interesante desde el momento en el que lo conocí. Además el Quijote siempre me ha parecido un personaje muy misterioso y peculiar. Creo que esta obra nos representa muchas cosas, aún sin haber leído el texto de Saavedra. Su cara tiene una expresión que se puede interpretar de muchas maneras, al igual que la posición que tiene su cuerpo envuelto en armadura.




lunes, 21 de noviembre de 2011

Cow in the moon light

En esta nueva entrada voy a hablar de una verdadera obra de arte, una obra maestra que sin duda no debemos dejar pasar desapercibida. Poco común, pero con un estilo brillante, es la obra de la artista Tiziana la Piana, llamada: Cow in the moon light. (vaca en la luz de la luna).

Y ¿quién es Tiziana la Piana? Ella es fotógrafa y diseñadora gráfica, quien nació en Catania, la segunda ciudad más grande de Sicilia. Estudió en L'Istituto d'Arte of Catania especializándose en diseño gráfico y fotografía y desde entonces se ha dedicado a experimentar en el campo de arte digital, creando obras como Bathers (Bañistas), Ciao Papá (Adios Papá) y Cow in the Moon Light.





A ella le apasiona el arte digital, pues dice que la computadora le ofrece gran cantidad de colores, permitiéndole crear obras sin ningún tipo de limitación. La mayoría de sus creaciones involucran obras de animales. Trabaja en serie de 7 piezas, cada una con un certificado de autenticidad, impreso en "Lambda", que es un tamaño de impresión digital.

Ahora bien, Cow In the Moon light es una pintura digital creada en el año 2008. Sus medidas son de 120x100 cm. Lo que la hace verdaderamente fascinante es la combinación tan extravagante de colores brillantes, creando figuras que a simplemente se observan como abstractas pero en realidad están formando algo. Los colores son muy vivos creando distintas emociones en el espectador. Su gran tamaño la hace imponente y su abstracción la hace verdaderamente atractiva.


Esta obra se encuentra en la galería ubicada en Broedplaats Petersburg Frans de Wollanstraat 52 1018 SC Amsterdam -NL, lugar de exclusivas obras de arte.


Definitivamente tener esta obra en su hogar será un verdadero prestigio y al verla siempre encontraremos detalles diferentes. Su originalidad y técnica es realmente asombrosa. Esto es lo que la hace tan especial.



Para más información acerca de esta y otras increíbles obras de Tiziana la Piana, visita:

www.tizianalapiana.com

martes, 8 de noviembre de 2011

Navegando en pinceladas impresionistas: Pissarro



Autorretrato, 1873 - Camille Pissarro



Camille Pissarro. Nombre muy mencionado que representa inmediatamente el arte impresionista a su máxima expresión. Sus obras definitivamente son parte importante en la historia del arte porque indican un parte aguas en lo que se creía "correcto" en esa época. A partir de este artista y junto con otros, se cambió por completo la idea que se tenía de lo que era y no era arte.

Camille Pissarro nació el 10 de julio de 1830. Algunas fuentes indican que nació en Paris; otras, que nació en Santo Tomás, Islas Vírgenes y que fue hasta el año 1855 cuando se trasladó a París. Se caracteriza por ser uno de los fundadores del impresionismo y por convertirse posteriormente en neo-impresionista.

Usando los juegos de luz, Pissarro produjo gran cantidad de escenas rurales de Francia, así como paisajes y retratos callejeros. Ejemplo de esto es "La calle Saint-Honoré después del mediodía" después del mediodía. Además, también fue profesor y según muchos testimonios, mantenía una excelente relación con sus alumnos, entre los que se encuentran Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamottte.

A pesar de que sus padres no aprobaban su pasión por la pintura, Camille Pissarro viajó en 1852 a Caracas, en donde aprendió todas las bases para su pintura. Ahí fue donde comenzó a dibujar paisajes y escenas cotidianas. En 1855 conoce a grandes artistas como Claude Monet. Ellos dos comenzaron a crear un arte similar que involucraba edificios envueltos en niebla.

Pissarro, Monet, Renoir, Degas y Cézanne son parte del grupo de los 'problemáticos': aquellos cuyos trabajos no eran considerados arte, sino un insulto.
En los años 80, Camille Pissarro decide experimentar el puntillismo y con esta técnica logra producir asombrosos retratos de ríos y demás paisajes. Como la tierra y la naturaleza era algo que le atraía, pintó en el período llamado Pontoise sus mejores obras, que están precisamente inspiradas en los artistas Monet y Cézanne. Estas obras son: "La siega en Montfoucalt", "Los tejados rojos" y "Primavera en Pontoise".
Camille Pissarro 011.jpg
Los tejados rojos, 1877 - Camille Pissarro

Lamentablemente, en el año de 1895, la enfermedad ocular que padecía empeoró, lo que lo llevó a pintar desde la ventana de su casa. A pesar de la terrible situación en la que se encontraba, sus pinturas siguieron siendo igual de admirables. Ejemplo de esto es "Jardín de las Tullerías" que más bien es un parque público en el centro de París. y "Efecto de nieve". Muere finalmente el 13 de noviembre de 1903.

vista aérea del Jardín de las Tullerías

Es importante reconocer las aportaciones que hizo este fascinante artista porque muchas veces, al ser parte de la misma tendencia (impresionismo), se asocia con otros grandes artistas, como los mencionados previamente, lo que de alguna manera le quita la 'individualidad' y se dejan de apreciar sus obras. Mucha gente comenzó a ver las obras de Pissarro como parte del impresionismo y parte de los "problemáticos" pero no como obras de un hombre francés. Es por eso que al apreciar el arte, debemos fijarnos en que a pesar de ser de la misma corriente, cada artista representa algo distinto y es justo en eso donde debemos poner más nuestra atención.



BIBLIOGRAFÍA:

miércoles, 5 de octubre de 2011

José Clemente Orozco: Retratos de la verdad

Foto: http://oclesis.blogspot.com/2010/07/jose-clemente-orozco-el-genio.html

¿Cuántas veces hemos oído su nombre? ¿Cuántas pinturas hemos visto de él? Seguramente las suficientes como para conocer y reconocer su estilo al pintar, o bien, para saber en qué museos ubicarlo.
Sí, José Clemente Orozco es muy mencionado por ser uno de los principales muralistas mexicanos que de alguna manera transformó el arte mexicano, influyó en muchos otros artistas y sobre todo, inspiró a un sinfin de personas, pues se sentían identificadas con sus pinturas.

José Clemente Orozco nació el 23 de noviembre de 1883 en Zapotlán, hoy, Ciudad Guzmán, Jalisco. Fue muralista y litógrafo mexicano, entre otras cosas. Se graduó en la Escuela Nacional de Agricultura y estudió además, matemáticas y dibujo arquitectónico.

Caracterizado por ser amante del pueblo, de la naturaleza y de las costumbres. Solía identificarse con lo suyo y los suyos. El espíritu mexicano hinchaba todas sus velas y amaba todo lo que su pueblo amaba. La caridad, la limosna y le beneficencia le sacaban de quicio.

En el año de 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, en el sindicato de pintores y escultores, con el propósito de recuperar el arte de la pintura mural con la ayuda y patrocinio del gobierno. Ellos posteriormente formarían la tercia de los más grandes muralistas mexicanos.

En el año de 1926, Orozco pinta en la ciudad de Orizaba, el mural titulado 'Reconstrucción', en el edificio que actualmente ocupa el Palacio Municipal, por orden de la Secretaría de Educación.

Solía viajar mucho a lugares como Nueva York y ahí se dedicó a trabajar y exhibir sus diversas obras, que principalmente eran en torno a la Revolución. Entre ellas se encuentra: Queensboro Bridge, The Curbz, Winter y The Subway.

En el año de 1934, José Clemente Orozco decide regresar a México y aquí realiza el tablero rectangular del Palacio de Bellas Artes, titulado "Catarsis" que hace juego con un mural de Rivera situado justo en frente llamado "El hombre en la encrucijada". Esta es una sangrienta representación del constante conflicto que enfrenta el hombre moderno y su mundo hundido en caos que lo rodea y a la vez lo oprime.

En Guadalajara, creó tres grandes obras murales: en la Universidad, en el Palacio de Gobierno y en el Hospicio Cabañas. Según el curador de la exposición "Epopeya Mural", Juan Coronel, fue Diego Rivera quien recibió la invitación para pintar los murales del Hospicio Cabañas; pero Diego rechaza la invitación argumentando que eso no le correspondía a él, sino a Orozco.

"Es su casa, es su estado y es el edificio más importante de la ciudad." -Diego Rivera, hablando de Orozco y el Hospicio Cabañas.


Foto: Hombre en Llamas - José C. Orozco http://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/orozco.htm

José Clemente Orozco nunca estuvo convencido por ninguna escuela o doctrina exclusiva. Estaba influenciado por el expresionismo alemán.
Su biografía es su misma pintura. Poco sabía de escuelas; era espontáneo y tenía gran repulsión por la vulgaridad, la sumisión y la verborrea. En cambio, le apasionaba la libertad, el bien, la justicia y la rebeldía.

A sus trazos le colocaba muchos colores. Se enfocaba en los conflictos y pasiones de su pueblo; conflictos sociales e individuales y preocupaciones éticas y metafísicas.
Recurrió a los contrastes de luz, al dibujo interpretado y composiciones dinámicas.

Para Orozco, México es el protagonista. "Lo que vale es el valor de pensar en voz alta, de decir las cosas tal como se sienten en el momento en que se dicen." - José Clemente Orozco.

Esta frase con pocas palabras nos puede dar una gran explicación de la forma de pensar de José Clemente Orozco y por lo tanto podemos entender perfectamente el mensaje que intenta transmitir en cada una de sus obras. En ellas, siempre se puede percibir el sentimiento de las personas plasmadas; de alguna forma nos formamos parte de la pintura porque entendemos el lenguaje que se habla en ella. Desde el momento en que vemos la pintura comenzamos a sentir distintas sensaciones, de asombro por la técnica empleada pero a la vez, sentimos un asombro distinto por la imagen que está plasmada, que muchas veces nos hace reflexionar sobre nuestra realidad y nuestro país.

Ejemplo de lo que quiero decir, es "Dioses del mundo moderno" pintada en el año de 1932, en caballete. Aquí se nos muestra una realidad cruda y deprimente, en donde predominan los esqueletos y las calacas. Hay un esqueleto muy grande reposando en objetos que parecen libros y hombres vestidos como empresarios, elegantemente. Se puede ver, como mencioné anteriormente, el conflicto constante que enfrenta el hombre moderno con el mundo mecánico que lo rodea y que lo atrapa en un callejón sin salida, creando caos.
Para mi es una verdadera obra de arte, junto con todas las demás que este gran artista ha hecho y definitivamente merece su lugar entre los tres grandes muralistas del país. Es algo triste que la gente lo relacione siempre con Siqueiros y Rivera, en lugar de como individuo que tuvo su propio estilo y su propia manera de pintar la realidad mexicana.

Orozco muere el 7 de septiembre de 1949 en la Ciudad de México.


Bibliografía:
Orozco - Luis Gardoza y Aragón
Dos apuntes para un retrato - Luis Gardoza y Aragón







lunes, 3 de octubre de 2011

Tlalocan: Paraíso Teotihuacano


En el Museo Nacional de Antropología e Historia de la Ciudad de México, podemos encontrar prácticamente todo acerca de las culturas prehispánicas que habitaron nuestro país. Un recorrido completo por ese museo llevaría cerca de tres días. En mi vista pasada, me enfoqué en una obra muy popular de Teotihuacán: el mural del Tlalocan o de Tepantitla.


Este mural cuenta con una historia bastante interesante. Fue recientemente descubierto en las ruinas de Teotihuacán, sin embargo, ya se sabía que existía porque Bernardino de Sahagún, quien recordamos, fue el principal escritor acerca de la historia náhuatl, lo mencionaba precisamente en uno de estos escritos.

Lo primero que llama la atención de este imponente mural son los colores tan vivos que tiene y la cantidad de iconos dibujados en él. Pero, ¿Qué significaban esos iconos?

Lo que representa el mural del Tlalocan es el paraíso del dios de la lluvia, Tláloc. Este paraíso es fértil, abundante en vegetación y obviamente con agua infinita. A él, llegan aquellos fallecidos por una causa relacionada con agua, ya sea por ahogarse o ´por causa de un rayo durante una fuerte tormenta. Algunos escritos también afirman que las personas con Lepra también llegaban a dicho paraíso.
Tlalocan es la ciudad sagrada. Nada escasea. Está dividida por una puerta y aquellas personas que son observadoras, habrán podido darse cuenta de que el lado izquierdo es un tanto distinto al lado derecho de la puerta.

El también llamado mural de Tepantitla representa de un lado una serie de individuos que participan en juegos, cazan mariposas, nadan en el agua y cortan flores. Su vestimenta es muy sencilla, pues sólo cuentan con taparrabos. La zona en la que se encuentran cuenta con una corriente de agua proveniente de un manantial que surge de lo que muchos interpretan como una cueva u ojo de agua y se deriva a todas las áreas de cultivo.
El hecho de saber la forma de vestir de las personas plasmadas y ver las actividades que estaban haciendo, lleva a muchos investigadores a interpretar esto como si esta parte del mural fuera una representación de la gente del pueblo, la dedicada a la agrícola, la campesina.

Pasando la puerta que divide el mural, hay otra representación: la gente urbana. De este lado, los individuos están vestidos con sandalias y faldellines, portando bastones para jugar a la pelota. Esto nos puede indicar que se vive un ambiente mucho más urbano en el que participan personas de un estatus más elevado que los del primer tramo del mural.

Estas escenas están situadas en lo que sería la "base del mural" que es símbolo del nivel terrestre, en donde habita el hombre; mientras que la parte superior del mural corresponde al nivel celeste. Allí es donde se encuentra Tláloc y sus ayudantes, los tlaloques, que guardan granos y los arrojan a la tierra. Aparecen también, plantas de maíz, característico de nuestro país.


También se puede ver reflejado en este mural, un juego de pelota en la que toman parte varios jugadores con garrotes y polícromos profundamente decorados.

Como podemos ver, este mural está repleto de mil cosas con muchísimos significados, abiertos a muchísimas interpretaciones. Diversas fuentes de información explican este mural de manera distinta pero lo que todas comparten, es el significado de este mural así como la función que se pensaba al pintarlo.
Algo que pienso yo, llama mucho la atención de este mural, es lo detallista que es, pues cuenta con dibujos muy pequeños pero bastante bien trazados, como por ejemplo, los cantos que los individuos hacen, con los puntitos pequeños muy bien pintados. A pesar de que la técnica no es muy elaborada comparándola con las técnicas de pintura modernas, en mi opinión está muy bien pintada y supieron escoger bastante bien los colores que usaron en cada parte del mural. Es una verdadera obra de arte que nos sirve como ventana de las creencias de los teotihuacanos.




Bibliografía:

Teotihuacán - Eduardo Matos Moctezuma
La estela teotihuacana de la Ventilla - Luis Aveleyra Arroyo de Anda
www.sobreleyendas.com/2008/05/13/en-las-profundidades-del-tlalocan/






domingo, 4 de septiembre de 2011

El árbol muere de pie

Producto de la improvisación que posteriormente fue interpretado como una pintura capaz de transmitir un mensaje, o al menos así lo pienso yo.
"El arbol muere de pie" es, para mi un excelente mensaje a la humanidad que nos hace de cierta forma reflexionar acerca de nuestra vida, de nuestras acciones, de nuestras risas y llantos e incluso de nuestra personalidad. Es una pintura contrastante, ya que el fondo puede ser considerado como realmente llamativo, sin embargo el árbol es completamente negro y sin hojas. El mensaje de esta pintura es eso; seguir el ejemplo del árbol muerto, que se mantuvo de pie hasta el final. Es lo mismo que nosotros como personas deberíamos hacer. Mantenernos de pie hasta el último día de nuestras vidas, no dejarnos vencer por aquellas cosas que se nos presentan en frente que puedan limitarnos; porque sencillamente eso nos quita fuerza. Además, no debemos olvidar aquel dicho que dice 'la flor que crece en la adversidad, es la más rara y hermosa de todas'. En este caso, es un árbol. Es un árbol del cual no sabemos su historia, no sabemos su edad; lo único que sabemos es que murió en la adversidad, en medio de un mar de colores. Murió y murió de pie.

miércoles, 24 de agosto de 2011

El Arte "entre dos ríos"




Mesopotamia. Región antigua y legendaria, que como su nombre en persa lo indica, está ubicada entre dos ríos: Tigris y Éufrates. Esto constituye una de las razones por la cual tuvo la gran capacidad de crecer en algunos aspectos entre los que se encuentran los económicos, agricultores, sociales y científicos. Sí, Mesopotamia tuvo un auge grandísimo y aquellos pobladores fueron caracterizados por poseer una alta habilidad para resolver los problemas que día a día se les presentaban.


Era de esperarse, que en la rama artística de esta asombrosa civilización, también resaltaran. Efectivamente así fue. Los sumerios, quienes habían surgido en los años 5000 y 4000 a.C, también fueron capaces de idear un nuevo concepto de arte (esa palabra todavía no se usaba mucho) y crearon cosas asombrosas en los ámbitos de escultura, arquitectura y pintura.

Se dice que el período sumerio es aquel que marcó más que ningún otro a la humanidad, debido precisamente, a las grandes aportaciones culturales que esta civilización brindó, entre las que se encuentra la más importante: la escritura. Es así como comienza el arte en esta región. La escritura comenzó siendo pictográfica, posteriormente lineal y finalmente cuneiforme. El inicio de la escritura fue un parteaguas en la historia de Mesopotamia y posteriormente lo iba a ser del mundo. El método de escritura cuneiforme sirvió, además de para establecer el inicio de la historia, porque a partir de ese momento se podía plasmar cualquier hecho, como fuente de inspiración para iniciar el arte. Plasmar los hechos no sólo con palabras, sino tal vez con dibujos, con esculturas, con construcciones era algo que sonaba innovador y se fue dando poco a poco.

Escritura Cuneiforme. http://www.profesorenlinea.cl/universalhistoria/Mesopotamia/Mesopotamia5.htm


Los sumerios fueron extraordinarios constructores. En cada ciudad (Nippur, Uruk, Ur, por mencionar algunas) se encontraba una construcción a partir de ladrillos en su mayoría, que formaban parte de algún templo sobre una alta terraza.
Terraza Mesopotámica
http://cedimhistoriadelarte.blogspot.com/2011/03/mesopotamia.html

A estas construcciones, poco a poco se le fueron agregando complementos; santurarios poblados de ofrendas, estatuas y estatuillas de hombres y mujeres, relieves ornamentados, utensilios rituales de piedra o metal y bloques decorativos de mosaicos pintados con colores muy vivos.


La arquitectura sumeria se caracteriza por poseer grandes espacios terrenales, ya que se enfocaban en lo vivo, en lo presente, y por lo mismo no solían hacer representaciones fúnebres. Espacios grandes, con rebaños y mucho campo, era una de las principales características de la arquitectura de Mesopotamia.



Un ejemplo claro, son los ziggurats, que eran amontonamientos gigantescos ejecutados con elemtnos prefabricados y ladrillos cocidos. Los ziggurats formaban pirámides y requerían de conocimientos matemáticos para su realización. Representaban la casa de los dioses y sólo los sacerdotes tenían acceso a la entrada.

Ziggurat. http://mesopotamia.mrdonn.org/ziggurats.html



La escultura fue otra de las ramas en donde destacaron. En Mesopotamia, se trabajaba en talleres, en los cuales, la escultura se trabajaba en serie, para responder a las posibilidades financieras de quienes la demandaban. Para esto se utilizaba principalmente el yeso común y generalmente se hacían figuras de hombres y mujeres. Las figuras de los hombres estaban hechas para los hombres y las de las mujeres para las mujeres. Siempre son figuras individualizadas, casi siempre son representadas en pie y generalmente con las manos juntas. Los ojos son incrustaciones hechas a partir de lapislázuli y la expresión que nos dan es de muda súplica y parece que esperan el cumplimiento de sus deseos. Los ojos tan abiertos nos dan la sensación de que las figuras tienen esperanza, emoción.
Figura de un adorador , con una tipo túnica, de manga corta hasta los pies. http://heliopolisblog.wordpress.com/2010/05/29/la-indumentaria-a-traves-de-la-historia-ii-mesopotamia/

Sin embargo, tenemos una escultura que es distinta y por eso llama más la atención: La Dama de Warka. Máscara misteriosa con la nariz mutilada. Es calificada como la 'síntesis más perfecta del eterno femenino'. También fue bautizada posteriormente como 'la mona lisa sumeria'. Es importante porque forma parte de las primeras esculturas que plasmaban un rostro femenino.



Fue una placa en altorelieve, elaborada a partir de piedra caliza, en combinación con mármol, lapislázuli y oro. Era una figura realmente impresionante, debido a la expresión que su rostro emanaba. Sus labios estaban cerrados, lo que señalaba melancolía y/o decepción debido a la existencia que no favorecía a nadie por los días de tristeza que frecuentemente invadían Mesopotamia y superaban en número e intensidad a los días satisfactorios y de alegría. El mensaje de la Dama de Warka era precisamente ese. Dar a conocer con tan sólo una expresión, la realidad que se estaba viviendo en la región, en esos tiempos. Es por esto que fue tan popular.


En el ámbito de la pintura, Mesopotamia no es muy popular. Hay muy pocas referencias.

En Tello, por ejemplo, hay un monumento ilustre destinado a conmemorar la victoria de Lagash sobre la ciudad de Umma. En esta ilustración, podemos observar excuplidos, tanto por delante como por detrás, situados en el mismo bloque. De un lado se refleja la 'cara histórica' de los sucesos, que incluye la representación de la ceremonia a los muertos y recuentos de cautivos. Del otro lado, es la 'cara religiosa' que es, en resumen, la representación de la intervención del Dios Ningirsu.


Los sumerios también nos demuestran el gusto que tenían por la policromía. Ejemplo de ello es el estandarte de Ur: dos cuadros están ornamentados, cada uno con una escena de inspiración contrastada. En un lado, tenemos una escena de guerra y en otro, una de paz.
Estandarte de Ur. http://snap3.uas.mx/RECURSO1/Diapositivas/HISTORIA%20DEL%20ARTE/8-03%20%20CULTURA%20DEL%20MEDIO%20ORIENTE

En general, la pintura de Mesopotamia solía servir para adornar las esculturas y carecía de perspectiva y sombras. Los colores aplicados no fueron muy variados.


Podemos decir que la civilización sumeria fue realmente intelectual al crear el arte que hizo, ya que fue innovador y es bastante peculiar. Muchos dicen que la escultura se parece a la egipcia y puede que en parte tengan razón, pero obviamente siempre estarán los detalles que distingue a esta región de las demás. Mesopotamia es legendaria no sólo por los avances tecnológicos y científicos, como siempre nos plantean; también tuvo un gran talento en el arte y es recordado hasta nuestros días.

BIBLIOGRAFÍA: El arte sumerio - André Parrot
Ed. UNESCO - Hermes Bolsilibros de Arte, 1969.
Traducido por: Agustín Contín.

jueves, 18 de agosto de 2011

Menos es más


Le puse ese nombre a mi nueva entrada porque esta pintura es claro ejemplo de esa frase: menos es más.

No necesité irme muy lejos o buscar pinturas saturadas de imágenes y color para encontrar una obra de arte. Sí, para mí, esta pintura es obra de arte, porque con el simple hecho de verla, logré transportarme a ese paisaje y relajarme por un rato. Eso para mí es arte, aquello que logra transmitirme algo, como un olor, un sentimiento, una sensación, etc.

Para empezar, la técnica con la que esta pintura es trazada, me encantó desde el principio. Son trazos muy delicados y suaves que favorecen todavía más la idea de relajación y tranquilidad que la pintura me transmite. Los colores hacen ver que es el atardecer; ese amarillo es realmente maravilloso en contraste con esas montañas y el árbol, que por cierto, tiene pocas hojas, indica que es Otoño y ese es otro elemento que me hace querer esta pintura todavía más. Me relaja, me transmite muchas ganas de estar ahí, acostarme en lo que parecer ser pasto seco, precisamente por la estación del año que se está viviendo.

Al frente de la pintura se puede ver una rama con apenas una hoja. Siento que eso le da un toque muy especial a la pintura, pues indica que hay varios árboles, no muchos, pero sí varios alrededor de ese paisaje, lo que provoca en mi querer pasearme por esos árboles, caminar horas y horas por ahí hasta no poder más.

El uso de las sombras me parece maravilloso, sobre todo la sombra que se encuentra debajo del árbol pequeño ubicado a la derecha. Eso es consecuencia del hermoso atardecer, pero el artista supo combinar muy bien los colores para darle un estilo propio a esta maravillosa pintura.
La combinación de amarillo, negro, café, morado y rosa es una combinación que me parece fascinante y original al plasmar este tipo de paisajes porque usualmente los artistas suelen utilizar los colores reales u otros que se salen del contexto, pero esta pintura me gusta por eso, por tener los colores que para mi son los adecuados.

Es obra de arte por todo eso, por inspirarme a usarla en este blog, por llamarme la atención, por admirar sus trazos y colores y sobre todo por las lindas sensaciones que logró provocar en mi.



jueves, 11 de agosto de 2011

Detrás del monitor





Mi nombre es Larisa López Rosales, tengo 18 años y soy alumna de primer semestre de la carrera de Comunicación en la Universidad Iberoamericana, en México D.F. Escogí esta carrera porque incluye todo aquello que me gusta, que es leer, escribir, criticar, analizar y mantenerme al tanto de lo que pasa en el mundo; me gusta estar informada en todo momento.
Sin embargo, lo que yo considero que es lo mío, es el teatro. Soy amante de todo lo que el teatro involucra y me encantaría ser parte de él en un futuro muy cercano.
También disfruto mucho bailar y siento que tengo talento para eso. Estudio en esta universidad porque considero que es la mejor en esta carrera, ya que sus instalaciones y el plan de estudios son muy completos.
Me considero una persona de mente muy abierta, generalmente trato de buscar ambientes nuevos y salir de la rutina para descubrir cosas totalmente distintas. No me gusta hacer prejuicios; antes de juzgar a algo o a alguien, necesito conocerlos lo suficiente.

Suelo ser tímida, pero a la vez no suelo callarme las cosas. Siento que tengo una fuerza de voluntad muy grande, lo cual me ha ayudado a crecer a pasos agigantados.
La vida cuadrada sin duda no es lo mío y siempre voy a estar buscando eso que es diferente, eso que es interesante, eso que es como yo.